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Channel: Análisis de la música de Mozart
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Bienvenida

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Bienvenidos al blog con contenidos analíticos sobre la música de W. A. Mozart. En esta página podrás encontrar información sobre el lenguaje compositivo, la interpretación o la vida del gran compositor W. A. Mozart (1756-1791)


El Blog está orientado para el uso didáctico de los alumnos de Análisis y Fundamentos de Composición del Conservatorio Tomás de Santamaría. Y se distribuye públicamente para facilitar el acceso a todo aquel interesado en información sobre este compositor. 

Los contenidos de la misma proceden de varias fuentes e intentaremos respetar las citas de autoría y licencia. Así en la página encontrarás contenidos de elaboración propia por los autores del blog, contenidos siempre bajo licencia Creative Commons, en alguna de sus modalidades, y contenidos bajo Copyright que serán utilizados como enlaces a páginas externas, siempre serán fragmentos de obras y utilizados honestamente bajo el derecho de cita o ilustración.

El blog no produce ningún beneficio económico y toda posible inclusión publicitaria se deberá al uso de los responsables de Blogger o los sitios que alojan los contenidos: YouTube, SoundCloud, IMSLP,...

Esperamos que os sea de utilidad. 

La interpretación de la música para piano de Mozart

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¿Qué hay que hacer para interpretar bien la música de W. A. Mozart al piano? En una palabra, comprenderla. Sin  comprenderla ni la técnica pianística, ni la excelencia en la lectura solfística, ni el dominio de los pedales,... nada. Sin comprender el lenguaje de Mozart todo eso nos dará una ejecución correcta de las notas, pero una interpretación posiblemente absurda. La música de Mozart, además de notas, tiene significados, está estructurada de acuerdo a un estilo y tiene un mensaje, abstracto, pero un mensaje. Tocar las notas sin conocerlo es como leer un texto en ruso sin saber ruso.




Aunque profundizar en el lenguaje de Mozart  no es cuestión de leer unas líneas o recibir unos consejos, sino que es el trabajo y la experiencia del artista intérprete  de muchos años, podemos ir considerando los siguientes aspectos: 

- La estructura: en la música del periodo clásico es importante la estructura como factor de cohesión y equilibrio de la obra. Así es importante articular adecuadamente las frases, los motivos, las secciones y hacer que sean coherentes sus respectivas apariciones. 

- El fraseo: aunque entre ciertas corrientes interpretativas está de moda el fraseo legato para todo, en la música de Mozart hay que articular pues el ritmos es un factor importante. Recordemos que la música clásica es cercana aún al barroco, tiene un importante componente rítmico que comienza a ser equiparado al melódico, pero no siempre, y que el instrumento en el que se interpretaba: el piano vienés, tenía unas características tímbricas y de duración del sonido muy diferentes al piano de cola actual. Sin ser necesario respirar cada pocas notas, si que es necesario articular. 

- El sonido:  ¿Puede interpretarse la música de Mozart en un piano moderno? Por supuesto. Aunque es cierto que el piano moderno es muy diferente en sonido y técnica al piano vienés, los compositores clásicos no concebían su música para un instrumento específico. A pesar de las coincidencias, los diferentes fabricantes de pianos vieneses producían instrumentos diferentes entre sí. Sabemos que Mozart solo pudo permitirse un pianoforte Walter, pero consideraba a los de Stein insuperables.  También sabemos que Mozart tubo que interpretar en, los entonces incómodos pero potentes en sonido,  pianos de mecánica inglesa. En dichos pianos el teclado era más pesado y profundo , además la tecla tenía que retornar completamente antes de poder repetir el sonido.  Por tanto el músico tocaba en el instrumento que tenía a su alcance, pues la música era considerada más importante que el medio y el pianísta sabía adaptarse al instrumento. Esa misma adaptación es la que tiene que hacer el pianista actual que quiera interpretar, que no ejecutar, a Mozart. 

- La música: A Mozart le llevó bastante tiempo componer cada obra y, no solo eso, muchos años de estudio y práctica perfeccionar su estilo. No podemos aspirar a abrir un libro con su música, ponernos a tocar y hacerlo maravillosamente (al menos no de acuerdo al estilo). Tener una buena habilidad de lectura y una brillante técnica pianística es importante, pero lo es más comprender la obra. Y para ello es imprescindible el análisis. Y no nos referimos aquí al análisis como recogida aséptica de datos, sino a la interpretación de estos datos. Una cadencia perfecta  V-I no es solo eso, sino que tiene un significado y un papel en la obra. Puede significar un momento de reposo en la obra, un cambio brusco de tonalidad, un momento de resignación, o un mero cambio de sección. Todo en la música significa algo. Es labor de la reflexión analítica tratar de llegar a dar un sentido coherente. 

- El intérprete: Después de profundizar en el mensaje que el compositor quiso dar a su obra, queda la aportación del intérprete para conseguirla. Un compositor clásico no quería una obra totalmente cerrada, sino que la forma en que el intérprete hace vivo el mensaje o destaca aspectos de él, hace interesante cada interpretación de cada intérprete. Es lo que hace apasionante la música clásica y la interpretación de la misma, la posibilidad de profundizar, cambiar y variar. También sabemos que Mozart era partidario de la repetición ornamentada, que consiste en no repetir literalmente, aunque así esté escrito, sino introducir leves adornos y variaciones para dar expresividad a la obra. Por tanto Mozart no consideraba su obra cerrada y totalmente acabada, así que es nuestra tarea interpretar y aportar nuestra visión personal. 

Álvaro Buitrago

La forma Allegro de Sonata

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¿Qué no se ha escrito sobre "la forma de sonata"? Durante muchos años se ha confundido un modelo de ejercicio para estudiantes de composición con el modelo (corsé) que se supone debía seguir un compositor clásico para hacer una sonata. Como prácticamente ninguna sonata escrita por los grandes compositores clásicos sigue ese corsé, se solía argumentar que el compositor "se revelaba" contra la forma o "hacía lo que quería" que para eso era compositor. La realidad es que el compositor clásico entendía la forma de sonata como algo menos matemático.



H.C. Koch (1749-1816) es uno de los teóricos que, ya en el clasicismo, describe en su tratado “Ensayo introductorio sobre Composición” de 1787 la forma de ese primer movimiento. Según Koch consta de dos grandes secciones, cada una de las cuales debe repetirse. En el enlace tenéis una descripción más detallada. La forma de primer tiempo de sonata para el compositor clásico Incluso como ejercicio para el aprendizaje de la composición era mucho más abierto que la camisa de fuerza que hoy día se estudia en algunos libros. Cualquiera que analice un puñado de sonatas pronto se dará cuenta de que el modelo es irreal. Y si lo que analiza son las últimas sonatas de Beethoven entonces lo verá como imposible. (¿Beethoven no sabía componer?)

 El primer error está en considerar el modelo de ejercicio compositivo como "Forma de Sonata". En todo caso como una de las posibles formas de primer tiempo de sonata. En cada movimiento podemos encontrar ciertas características de acuerdo a los modelos de ejercicio para estudiantes de composición, pero son muy diferentes para cada uno.

Algunas de las características comunes en las formas clásicas son:
- La frase clásica simétrica estructurada en pares
- La oposición de temas mediante su caracter y tonalidad
- La utilización del recurso de volver a una idea de manera más o menos literal, aunque sea en otra tonalidad, la Reexposición.
 - El contraste entre zonas compuestas de manera ordenada y simétrica (exposición, tema,...) y las estructuradas libremente como los desarrollos.
 - La interrelación entre tonalidad, carácter del tema, melodía y acompañamiento. Una tonalidad en el clasicismo tenía un significado diferente, más expresivo, que el que le damos y oímos actualmente. Las tonalidades sonaban diferentes entre sí por los sistemas de afinación temperados, pero no iguales, que se usaban. Ese carácter era destacado por la armonía, el tipo de acompañamiento y las melodías. Algo más coordinado que la visión fragmentada que suele darnos el análisis académico actual.

Como ilustración del tema tenemos un video explicando la forma de primer tiempo de sonata distribuido por la Fundación Saylor y la Universidad de Yale.

Fundación Saylor // Creative Commons Attribution-Noncommercial-No Derivative Works 3.0 Unported License.

Artículo sobre la forma primer tiempo de Sonata en Wikipedia


Sonata para piano en DoM K.545 de Mozart

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Mozart Sonata en Do Mayor
Imagen creada por Camembert y compartida como Dominio Público 

Wikipedia® es una marca registrada de la Fundación Wikimedia, Inc., una organización sin ánimo de lucro.
La Sonata para piano n.º 16 en Do M, K. 545, de Wolfgang Amadeus Mozart, es una de sus sonatas más conocidas. Es conocida ocasionalmente como la Sonata Facile o Sonata Semplice.
Mozart la agregó en su catálogo el 26 de junio de 1788, la misma fecha que su Sinfonía n.º 39.


Es uno de los casos más conocidos del uso de la fórmula de acompañamiento conocida como Bajo de Alberti, que aparece en algunos fragmentos del Allegro y constituye la mayoría del acompañamiento en el Andante.
La obra tiene tres movimientos:
  1. Allegro se asemeja al modelo formal primer tiempo sonata (A-||B-A||), en la tonalidad de Do mayor. [AUDIO]
  2. Andante está en la tonalidad de la V, Sol mayor. De tiempo más lento "andante" y carácter más lírico que el anterior. [AUDIO]
  3. Rondó vuelve a la tonalidad principal de DoM y se asemeja al modelo forma del rondó, que consiste en la alternancia de estribillo-estrofas/coplas que le da un carácter más ligero y de fácil escucha como final de la obra. [AUDIO]

Autor de los archivos de audio Raul654 distribuidos en Wikipedia bajo Dominio Público

    Partitura completa de la obra en IMSLP.org en edición de Carl Adolf Martienssen (1881-1955) y Wilhelm Weismann (1900-1980) distribuida bajo Dominio Público

    Conversación con András Schiff, un gran intérprete de Mozart

    Sonata en DoM K. 545 - Gráfico de relaciones temáticas

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    En los gráficos se pueden apreciar las relaciones entre el motivo del tema principal y sus derivaciones en los diferentes momentos de la sonata. Aunque pueda parecer artificioso y no digno de la imagen de Mozart como compositor "inspirado", la exploración de las posibilidades de un tema es un aspecto importante en el estudio de un compositor de la época como se manifiesta en los tratados, y también de la experimentación del improvisador de variaciones, y Mozart fue un gran improvisador.

    Dicha exploración también es característica de la época barroca y el contrapunto en el que los motivos y temas eran sometidos a diferentes procesos para estudiar sus posibilidades como la inversión, retrogradación, aumentación,...

    Aunque Mozart tenga esa imagen de compositor inspirado que no tachaba, y por tanto se supone que escribía todo sin pensar, dicha imagen es falsa. Mozart utilizaba un libro de notas en sucio en el que planteaba las obras, sus posibilidades e incluso trabajaba en varias a la vez. Cuando trabajaba en una obra y se le ocurría un tema o un procedimiento que no valía para ella pero si para otra lo anotaba y luego lo utilizaba. Con este sistema Mozart evitaba tener que trabajar en borradores y le permitía tener antes el trabajo preparado. Por desgracia la mayor parte de estos cuadernos de sucio desaparecieron tras su muerte. Su viuda regaló algunas páginas como recuerdo a conocidos y el resto parece que acabaron en el fuego ¿Para qué iba a querer nadie un montón de notas en sucio?

    Gráfico sobre las relaciones temáticas de la exposición de la Sonata.

    Álvaro Buitrago // Attribution 2.0 Generic (CC BY 2.0)

    Sonata en DoM k545 - Video partitura

    Sonata en DoM K. 545 - Actividad interactiva


    Sonata en DoM K.545 de W. A. Mozart - Análisis (audición)

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    AtribuciónNo comercialCompartir bajo la misma licencia Algunos derechos reservados por Matthieu Aubry.

    Interpretación del primer movimiento completo.

    En los comentarios podéis seguir la estructura de la obra.
    (Aparece en dos formatos flash y HTML5 para que pueda ser audible en dispositivos iOS)
    Flash
     
      Mozart Sonata DoM I K545 Primer movimiento by Álvaro Buitrago
    "Mozart Sonata DoM I K545 Primer movimiento" by Álvaro Buitrago is licensed under a Creative Commons License

    Movimiento Completo en HTML5

    "Mozart Sonata DoM I K545 Primer movimiento" by Álvaro Buitrago is licensed under a Creative Commons License

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    Comentarios sobre el tema principal de la sonata

    Sonata en DoM K.545 de Mozart Tema - Análisis por Álvaro Buitrago
    "Mozart Sonata DoM I K545 Primer movimiento" by Álvaro Buitrago is licensed under a Creative Commons License

    Tema principal en HTML5


      Sonata en DoM K.545 de Mozart Tema - Análisis por Álvaro Buitrago
    "Mozart Sonata DoM I K545 Primer movimiento" by Álvaro Buitrago is licensed under a Creative Commons License

    Mozart y las cadencias del Concierto nº12 (I)

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    La cadencia del primer movimiento del concierto para piano en la mayor k.488 de Mozart nos muestra algunas de las técnicas habituales usadas por este para improvisar cadencias.

    La cadencia presenta elementos temáticos del movimiento que son tratados de una manera más libre.

    1.- Cromatismo y ascenso: La primera parte presenta un típico descenso cromático en el bajo que de dirige a la dominante mediante una melodía divergente con el bajo para generar tensión. Despues dichas líneas pierden ese caracter de divergencia para avanzar hacia el agudo concluyendo de nuevo sobre la 6ª y 4 cadencial que no resuelve en dominante. Durante toda la cadencia Mozart evita resolver la 6ª y 4ª cadencial como elemento de tensión característico del mundo de la improvisación de este tipo de secciones.

    2.- Descenso: Continúa con 3 compases que descienden mediante arpegios con material precadencial del movimiento hasta la aparición de una nueva 6ª y 4ª cadencial sin resolver.

    3.- Espectación: Se inicia entonces un estado de espectación mediante la repetición de una construcción contrapuntística que mezcla las sextas paralelas con movimientos melódicos cruzados basados en el acorde de subdominante. Dicha espectación, reforzada por el temblor de los arpegios resuelve en la dominante de la dominante que nos conduce sin remedio a la conclusíón de la cadencia.

    4.- Ornamentación y resolución: Tras la dominante de la dominante un nuevo acorde de 6ª y 4ª cadencial inicia una nueva sección de la cadencia ahora ornamental con el característico ascenso, seguido de un descenso rápido (en este caso un mero salto) que desemboca en el trino cadencial en el que, ¡por fín! suena la 7ª de dominante que resolverá en tónica dando entrada a la conclusión orquestal del movimiento.



    Entre los recursos para la improvisación típicos de Mozart encontramos:
    - Líneas de bajo cromáticas hacia la dominante.
    - Alternancia entre ascenso y descenso. (escala-arpegio)
    - Estados de espectación mediante la repetición de un acorde o las figuras de trémolo.
    - 6ª y 4ª cadencial evitando la resolución en 7ª de dominante.
    - Final ornamental resulto mediante ascenso-descento antes del trino sobre la segunda nota de la escala que introduce al fín el acorde de 7ª de dominante para la entrada de la orquesta.

    Estructura armónica
    Cadencia del 1er movimiento concierto en LaM W. A. Mozart Estructura by AlvaroBuitrago

    ¿Dónde está entonces el famoso (y falso) caracter virtousístico de la cadencia? Realmente no es un pasaje que se caracterice por la dificultad o la brillantez. Pero si es un pasaje que destaca por la expresividad y por retomar/recordar ideas del movimiento. La cadencia era una reflexión sobre el material temático del movimiento o un momento expresivo del protagonista/solista, o ambas cosas. La idea de cadencia como pasaje para el "lucimiento del solista" pertenece a la interpretación errónea del mundo de la ópera en el que el cantante aprovechaba para soltar todo su repertorio de malavarismos vocales y que contagia al romanticismo generando engendros de cadencias como las que el gran Brahms escribe para los conciertos de Mozart o Beethoven, plagadas de dificultades técnicas y barbaridades varias que no encajan con el caracter de la música precedente.
    (c) edición: Álvaro Buitrago Téllez, http://analisismozart.blogspot.com
    Cadencia 1er movimiento

    Off Topic: Como se hizo el análisis de la cadenza

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    La orquesta clásica (actividad interactiva)

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    Orquesta Clásica actividad en JClic - Álvaro Buitrago
    Actividad en JClic para conocer la plantilla básica de la orquesta clásica - Álvaro Buitrago

    Desde la irregular plantilla de las orquestas barrocas comienzan a surgir plantillas estandarizadas de orquesta en el clasicismobasadas en la familia de la cuerda frotada y que pronto incluyen la familia del viento madera al completo. Poco a poco se van sumando instrumentos de la familia del viento metal comenzando por las trompas y trompetas, para dar paso al trombón y más tarde la tuba. La familia de la percusión queda casi siempre reducida a los timbales y el bajo continuo aparece de manera residual en los conciertos para piano y orquesta donde aún era habitual que el piano acompañase al estilo del bajo continuo las partes de tutti.

    Aunque el clave deja de estar poco a poco presente en la orquesta, los conciertos para piano deJohann Christian Bach y posteriormente los de Wolfgang Amadeus Mozart le dan un papel importante como solista aunque participando del tutti como acompañante al igual que hacía el clave en los conciertos para piano y orquesta.

    El archivo que aparece a continuación presenta unas actividades sobre la orquesta clásica. (tiene que descargar unos 3,5mb y hay que dar permiso a Java para que se ejecute en esta página cuando el navegador lo pida)

    Sonata para 2 pianos K448/375a en Re Mayor y el "Efecto Mozart"

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    Aunque muchos compositores de la época solían componer música para piano a 4 manos no era tan habitual la música para 2 pianos (Pero conviene recordar que tanto los hermanos Bach como Mozart escribieron conciertos para varios instrumentos de teclado, Mozart hasta para tres pianos).
    Esta sonata en Re Mayor comparte muchas de las características de otras de sus obras pianísticas o no en esta tonalidad. Se ha hecho muy famosa debido a que se le atribuyen poderes de aumento de la inteligencia mediante la mejora de la capacidad de razonamiento espacial y la disminución de ataques de epilepsia. Dichos poderes han sido comúnmente llamados "El efecto Mozart"
    Es probable que la energía de esta música, su estilo galante, su estructura clara y bien compartimentada, su ritmo,... contribuyan a transmitir ese equilibrio que ordena el pensamiento. Muchas de estas características son compartidas por otras obras de Mozart en la misma tonalidad. Conviene recordar que los sistemas de afinación de la época permitían distinguir sonoridades diferentes en las tonalidades que las atribuían un caracter especial para diferentes estados de ánimo. Orquestalmente Re Mayor era el tono más brillante, particularmente efectivo en los instrumentos de cuerda, y la trompeta en re habitual antes del uso de la trompeta moderna, y su carácter estaba asociado a la felicidad, al bullicio, al triunfo y era utilizado en músicas de júbilo, victoria y aleluyas. El tono de la dominante, La M, se asociaba con lo Alegre, campestre, amor inocente, la juventud, el retorno, la satisfacción y la fé. Representan una combinación que dota al total de la obra de sentimientos positivos, enérgicos y de gran poder motivador.

    El efecto de la tonalidad se atribuía a la pequeña diferencia en la amplitud de los intervalos debido a los sistemas de afinación de temperamento no igual que hacían que DoM sonase ligeramente diferente a ReM o a cualquier otra tonalidad Mayor. Además del efecto de la tonalidad (que hoy perdemos en las interpretaciones con instrumentos y orquestas modernas)  esas características del tono se transmiten por las características rítmicas, orquestales y temáticas. Podemos compararlo en estas dos grabaciones, la primera con instrumentos y afinación moderna, y la segunda con instrumentos y afinación de la época (Enlaces de Spotify)

    -> Concierto para piano nº 26 en Re M K537 "Coronación" per Mvto (Mª Joao Pires)

    -> Concierto para piano nº 26 en Re M K537 "Coronación" per Mvto (Malcolm Bilson)

    La Sonata para dos pianos en ReM K448/375a fue compuesta en 1781 para una recital que quería dar junto a la pianista Josephine von Aurnhammer.

    -> Partitura 

    Sonata para dos pianos en ReM k448/375a de Mozart por Anderson & Roe
    Más obras en Re Mayor de Mozart en las que podemos reconocer lugares comunes en el estilo y en las propiedades atribuidas a esta tonalidad en Mozart.

    -> Sinfonía 31 en Re Mayor K297, "París" 1er mvto. 

    -> Concierto para piano nº 3 en Re Mayor K40 

    -> Sinfonía nº35 en Re Mayor K385 "Haffner" 4º mvto. Finale

    -> Sonata para piano nº6 en Re Mayor K284 1er mvto

    -> Sonata para piano nº9 en Re Mayor K331 1er mvto

    Robert Levin, Mozart y la Improvisación

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    Robert Levin es un peculiar y nada aburrido pianista, compositor, musicólogo e improvisador, conocedor profundo de la obra de W. A. Mozart. Más conocido por su faceta de interprete es un pregonero incansable de la recuperación de la improvisación en la interpretación clásica, bien en su faceta de ornamentación improvisada de las repeticiones como en el desarrollo de fermatas (ver Quantz y C. Ph. E. Bach) y cadenzas propias.

    El pasado 29 de octubre impartía una charla en la Universidad de Cambridge dentro de un proyecto  desarrollado junto con la de Oxford, hablando, cómo no, de la improvisación en la música de Mozart, tanto en la ya escrita, como en la que se interpreta.

    Al final de la misma como ilustración Levin improvisó una fantasía libre sobre temas ofrecidos por el público, en este caso sacados de obras del propio Mozart. La fantasía se desarrolla en tres partes, la primera sobre:

    1.- el aria de Susanna de las Bodas de Fígaro "Deh viene, non tardar" (3:09),



    2.- sección central sobre el cuarteto de las Disonancias k465 (6:25),

    3.- y la final sobre el tema inicial de la sonata en FaM k332 (9:07)


    No se trata de un popurrí sino de desarrollar esos temas al estilo de Mozart creando en el momento una obra nueva y única. En otras ocasiones Levin improvisa sobre temas melódicos inventados por el público, pero este uso de temas ya suficientemente conocido hace más fácil seguir el proceso y reconocer las técnicas como ilustración a esta interesante charla. 

    Levin ha escrito innumerables artículos sobre las formas de improvisación de la música en el clasicismo, abordando desde la ornamentación improvisada de las repeticiones hasta la improvisación de fermatas y cadenzas. Es autor además de una serie de cadencias planteadas de un modo creativo para los 5 conciertos para violín. Estas cadencias no están escritas como una sección unitaria, sino como bloques independientes e intercambiables que permiten montar diferentes cadencias de modo que, sin ser improvisación, el solista puede permitirse ser menos previsible optando por diferentes montajes personales.

    Aunque muy conocido por esta faceta, Levin también es un incansable interprete de otros estilos musicales, incluyendo música contemporánea, jazz, etc, o autor de melancólicos arreglos de música tradicional española  con la violinista Kim Kashkashian en Asturiana
    Alguien lo ha calificado como el Chick Corea de la música "clásica", o más bien Chick Corea podría ser el Robert Levin del Jazz...

    Wolfgang y Johann Christian. ¿Copiar o aprender?

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    Hoy en día se mitifica mucho a los genios. La propia brevedad de las biografías omite detalles secundarios, de modo que se tiene una cierta sensación general de que los grandes genios no necesitaron de aprendizaje. La fama de Mozart como compositor desde los 5 años traslada una idea similar. Desde tan tierna edad parece que no necesitó aprender de otros maestros, se dedicó a perfeccionar su estilo. Pero no fue así, Mozart también tubo "deberes" y se sintió interesado por aprender de otros músicos de su tiempo. Al igual que cualquier aprendiz de pintura Mozart dedicó mucho tiempo a copiar esos grandes cuadros de los maestros de su tiempo, aquellos que despertaban su interés artístico o económico. Hoy en día, tan influenciados por la sobrevaloración de los derechos de autor y la prohibición de todo tipo de copias, esto parece casi una herejía. Pero la copia ha sido siempre, junto con el juego, la forma más eficaz de aprender.

    Decir que los primeros conciertos de Mozart son una copia de varias de las sonatas de Johann Christian Bach puede despertar en más de uno una decepción sobre ese mito de Mozart genio que no necesita aprender. Pero es una realidad. Mozart no copió las sonatas de Bach en un sentido estricto, las utilizó para aprender el estilo del concierto para piano desarrollado por Bach, arregló sus sonatas para orquesta y piano.

    Mozart conoció en 1764 a Johann Christian y se sintió muy atraído por su música, ese estilo galante del hijo de Johann Sebastian, tan alegre, lleno de buen humor, rítmico y ligero, reflejo del ideal social de la época. Como haría un pintor o un escultor estudió sus partituras, las analizó, las copio y las arregló para orquesta y piano, al estilo de los conciertos de Johann Christian. De ese aprendizaje vinieron otras decenas de conciertos originales y maravillosos de Wolfgang.

    Johann Christian Bach Sonata op. 5 para teclado I Allegro di Molto

    Mozart Arreglo como concierto para piano de la Sonata op. 5 de Johann Christian Bach


    Y hablando de conciertos y copias, el estilo de dirección de Gulda es de difícil copia por más voluntad que le pone en imitar la práctica barroca y clásica del teclista director. Pero al igual que a Mozart se le perdona por su maestría como pianista e improvisador. (No perderse la cadencia totalmente "creada en el momento" 1er movimiento 12 aprox.)


    Todo un personaje único este Gulda que pasa de director-pianista de un concierto de Mozart a improvisador jazzero con un ordenador IBM, Hancock y Zawinul. ¿Habrá aprendido el ordenador copiando a Mozart?





    El catálogo temático de las obras de Mozart (7 últimos años)

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    La British Library publica en su catálogo de libros virtuales las imágenes del manuscrito de Mozart que contiene la lista y los comienzos de sus composiciones durante los 7 últimos años de su vida. 



    Durante ese periodo de madurez Mozart (1784-1791) compone muchas de sus obras más reconocidas. De acuerdo a la descripción dada por Mozart al cuaderno planeaba incluir todas sus composiciones, pero hay algunas omisiones y están solo las terminadas y por orden de finalización.

    En el catálogo hay obras que parecen perdidas y no se incluye el Requiem, pues no fue terminado por Mozart.

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